Primele instrumente muzicale cunoscute au fost flauturi osoase găsite acum 35 000 de ani, deși omul ar fi putut cânta cu mult înainte. De-a lungul timpului, s-a dezvoltat o înțelegere a modului în care sunetele muzicale sunt produse și organizate. Deși nu trebuie să știți totul despre scale muzicale, ritmuri, melodii și armonii pentru a face muzică, înțelegerea unora dintre concepte vă va ajuta să apreciați și să faceți muzică mai bună.
Pași
Partea 1 din 4: Sunete, note și scale
Pasul 1. Înțelegeți diferența dintre „ton” și „notă
” Acești termeni descriu calitățile sunetelor muzicale. Deși termenii sunt înrudiți, aceștia sunt folosiți oarecum diferit.
- „Pitch” se referă la senzația de slăbiciune sau înălțime asociată cu frecvența unui sunet dat. Cu cât frecvența este mai mare, cu atât tonul este mai mare. Diferența de frecvență între oricare două tonuri se numește „interval”.
- „Notă” se referă la o gamă desemnată de tonuri. Frecvența standard pentru A peste mijlocul C este de 440 hertz, dar unele orchestre folosesc un standard ușor diferit, cum ar fi 443 hertz, pentru a produce un sunet mai luminos.
- Majoritatea oamenilor pot stabili dacă o notă sună corect atunci când este jucată împotriva unei alte note sau în parte dintr-o serie de note dintr-o piesă muzicală pe care o recunosc. Aceasta se numește „pitch relativ”. Câțiva oameni posedă „ton absolut” sau „ton perfect”, care este capacitatea de a identifica un ton dat fără a auzi un ton de referință.
Pasul 2. Înțelegeți diferența dintre „timbru” și „ton
” Acești termeni sonori sunt, în general, utilizați în ceea ce privește instrumentele muzicale.
- „Timbre” se referă la combinația de ton primar (fundamental) și tonuri secundare (tonuri) care sună ori de câte ori un instrument muzical cântă o notă. Când ridicați coarda E joasă pe o chitară acustică, auziți nu numai nota E joasă, ci și tonuri suplimentare la frecvențe care sunt multipli ai frecvenței E joase. Combinația acestor sunete, care sunt, de asemenea, denumite în mod colectiv „armonici”, este ceea ce face ca un instrument să sune diferit de un alt tip de instrument.
- „Ton” este un termen ceva mai nebulos. Se referă la efectul pe care îl au combinația de armonici fundamentale și secundare asupra urechii ascultătorului. Adăugarea mai multor armonici puternice la timbrul unei note produce un ton mai luminos sau mai ascuțit, în timp ce amortizarea acestora produce un ton mai moale.
- „Ton” se referă, de asemenea, la un interval între două tonuri, numit și un pas întreg. Jumătate din acest interval se numește „semiton” sau jumătate de pas.
Pasul 3. Alocă nume notelor
Notele muzicale pot fi denumite în mai multe moduri. Două metode sunt utilizate în mod obișnuit în majoritatea lumii occidentale.
- Numele literelor: notelor anumitor frecvențe li se atribuie numele literelor. În țările vorbitoare de limbă engleză și olandeză, literele rulează de la A la G. În țările vorbitoare de limbă germană, totuși, „B” este utilizat pentru nota bemolă (tasta de pian negru între tastele A și B) și o „H” este folosit pentru a reprezenta nota naturală B (tasta albă B de pe un pian).
- Solfeggio (numit și „solfe” sau „solfeo”): acest sistem, cunoscut fanilor ‘’ The Sound of Music’’, atribuie notelor cu o singură silabă notelor în funcție de pozițiile lor succesive în cadrul unei scale. Sistemul original dezvoltat de călugărul din secolul al XI-lea Guido d’Arezzo a folosit „ut, re, mi, fa, sol, la, si”, preluat din primele cuvinte ale rândurilor într-o cântare către Sfântul Ioan Botezătorul. De-a lungul timpului, „ut” a fost înlocuit cu „do”, în timp ce unii scurtează „sol” la „so” și cântă „ti” în loc de „si”. (Unele părți ale lumii folosesc numele de solfegiu așa cum lumea occidentală folosește numele literelor.)
Pasul 4. Organizați o serie de note într-o scală
O scală este o serie de intervale succesive între tonuri astfel încât cel mai înalt ton să fie de două ori mai frecvent decât cel mai mic ton. Acest interval se numește octavă. Acestea sunt câteva dintre scalele comune:
- O scară cromatică completă utilizează 12 intervale de jumătate de pas. Redarea unei octave la pian de la mijlocul C la C deasupra mijlocului C, sunând toate tastele albe și negre între ele, produce o scară cromatică. Alte scale sunt forme mai restrânse ale acestei scale.
- O scară majoră utilizează șapte intervale: primul și al doilea sunt pași întregi; al treilea este o jumătate de pas; al patrulea, al cincilea și al șaselea sunt pași întregi; iar al șaptelea este o jumătate de pas. Redarea unei octave la pian de la mijlocul C la C de mai sus, sunând doar tastele albe, este un exemplu de scară majoră.
- O scară minoră folosește, de asemenea, șapte intervale. Cea mai comună formă este scara minoră naturală. Primul său interval este un pas întreg, dar al doilea este o jumătate de pas, al treilea și al patrulea sunt pași întregi, al cincilea este o jumătate de pas, iar al șaselea și al șaptelea sunt pași întregi. Redarea unei octave la pian de la A sub mijlocul C până la A deasupra mijlocului C, sunând doar tastele albe, este un exemplu de scară minoră naturală.
- O scară pentatonică utilizează cinci intervale. Primul interval este un pas întreg, următorul este de trei pași, al treilea și al patrulea sunt fiecare un pas întreg, iar al cincilea este de trei pași. (În tasta C, aceasta înseamnă că notele folosite sunt C, D, F, G, A și C. din nou.) De asemenea, puteți juca o scară pentatonică jucând doar tastele negre între C mijlociu și C înalt la un pian. Cântarele pentatonice sunt utilizate în muzica africană, asiatică de est și nativă americană, precum și în muzica populară.
- Scalele majore sunt mai înălțătoare și mai fericite, în timp ce scările minore au un ton mai întunecat și mai serios.
- Cea mai mică notă din scală se numește „cheie”. De obicei, melodiile sunt scrise astfel încât ultima notă a melodiei să fie nota cheie; o melodie scrisă în tasta C se termină aproape întotdeauna pe nota C. Un nume de cheie include, de asemenea, dacă melodia este redată sub o scară majoră sau minoră; când scara nu este denumită, se înțelege că este scara majoră.
Pasul 5. Folosiți obiecte ascuțite și plate pentru a ridica și a reduce tonurile notelor
Sharps și flat ridică și coborâ tonalitățile notelor cu o jumătate de pas. Acestea sunt necesare atunci când se joacă în alte taste decât C-major sau A-minor pentru a menține corecte tiparele de intervale pentru scalele majore și minore. Sharps și flat sunt indicate în linii de muzică scrisă cu simboluri numite accidentale.
- Un simbol ascuțit, care seamănă cu hashtagul (#), plasat în fața unei note, își ridică tonul cu o jumătate de pas. În tastele G-major și E-minor, F este ridicat cu o jumătate de pas pentru a deveni F-sharp.
- Un simbol plat, care seamănă cu un „b” minuscul ascuțit, plasat în fața unei note, își reduce tonul cu o jumătate de pas. În tastele F-major și D-minor, B este coborât cu o jumătate de pas pentru a deveni B-flat.
- Din motive de comoditate, notele care trebuie întotdeauna ascuțite sau aplatizate într-o anumită cheie sunt indicate la începutul fiecărei linii în personalul muzical în semnătura cheii. Accidentalele trebuie apoi utilizate numai pentru note în afara tastei majore sau minore în care este scrisă melodia. Când accidentalele sunt utilizate în acest fel, ele se aplică numai aparițiilor acelei note înainte de linia verticală care separă măsurile.
- Un simbol natural, care arată ca un paralelogram vertical cu o linie verticală care se extinde în sus și în jos de la două dintre vârfurile sale, este utilizat în fața oricărei note care altfel ar fi ascuțită sau aplatizată pentru a arăta că nu ar trebui să fie în acel loc în cântec. Naturale nu apar niciodată în semnăturile cheie, dar un fir natural poate anula efectul unui ascuțit sau plat folosit într-o măsură.
Partea 2 din 4: Bătăi și ritmuri
Pasul 1. Înțelegeți diferența dintre „bătăi”, „ritm” și „tempo”
” Acești termeni sunt, de asemenea, strâns legați.
- „Beat” se referă la un impuls individual de muzică. Un ritm poate fi fie o notă sunată, fie o perioadă de tăcere numită odihnă. Un ritm poate fi, de asemenea, împărțit între mai multe note sau mai multe ritmuri pot fi atribuite unei singure note sau repausuri.
- „Ritm” se referă la o serie de bătăi sau impulsuri. Ritmul este determinat de modul în care notele și repausele sunt aranjate în cadrul unui cântec.
- „Tempo” se referă la cât de repede sau încet este redat un cântec. Cu cât tempo-ul este mai rapid, cu atât mai multe bătăi sunt redate pe minut. „Valsul albastru al Dunării” are un tempo lent, în timp ce „The Stars and Stripes Forever” are un tempo mai rapid.
Pasul 2. Grupul bate în măsuri
Măsurile sunt grupuri de bătăi. Fiecare măsură are același număr de bătăi. Numărul de bătăi pe care le are fiecare măsură este indicat în muzica scrisă cu o semnătură de timp, care arată ca o fracție fără o linie care să separe numeratorul și numitorul.
- Numărul de sus indică numărul de bătăi pe măsură. Acest număr este de obicei 2, 3 sau 4, dar poate fi de până la 6 sau mai mare.
- Numărul de jos indică ce fel de notă obține un ritm complet. Când numărul de jos este un 4, o notă de sfert (arată ca un oval plin cu o linie atașată la el) primește un ritm complet. Când numărul de jos este un 2, o notă pe jumătate (arată ca un oval deschis cu o linie atașată la el) primește un ritm complet. Când numărul de jos este un 8, o notă a opta (arată ca o notă de sfert cu un steag atașat) primește un ritm complet.
Pasul 3. Căutați ritmul stresat
Ritmurile sunt determinate în funcție de care bătăile din măsură sunt accentuate (accentuate) și care bătăi nu sunt (neaccentuate).
- În majoritatea pieselor muzicale, primul ritm, sau ritmul scăzut, este stresat. Bătăile rămase, sau bătăile pozitive, nu sunt stresate, deși într-o măsură de patru bătăi, cea de-a treia bătaie poate fi stresată, dar într-un grad mai mic decât bătăile în jos. Bătăile stresate sunt, de asemenea, numite uneori bătăi puternice, în timp ce bătăile neaccentuate sunt uneori numite bătăi slabe.
- Unele piese de muzică stresează, în afară de ritmul descendent. Acest tip de stres este cunoscut sub numele de sincopare, iar bătăile atât de stresate se numesc bătăi înapoi.
Partea 3 din 4: Melodie, armonie și acorduri
Pasul 1. Definiți melodia cu melodia sa
„Melodia” este o succesiune de note pe care persoana care le ascultă le identifică ca fiind un cântec coerent, bazat pe tonurile notelor și ritmul cu care sunt redate.
- Melodiile sunt compuse din fraze, care sunt grupuri de măsuri. Aceste fraze se pot repeta de-a lungul melodiei, ca în colindul de Crăciun „Deck the Halls”, unde prima și a doua linie folosesc aceeași succesiune de măsuri.
- O structură melodică obișnuită a cântecului este aceea de a avea o melodie pentru un vers și o melodie înrudită să servească drept cor sau refren.
Pasul 2. Însoțește melodia cu armonie
„Harmony” este redarea de note în afara celor ale melodiei pentru a-i îmbunătăți sau contrasta sunetul. După cum sa menționat anterior, multe instrumente cu coarde generează de fapt mai multe tonuri atunci când sunt smulse; tonurile care sună cu tonul fundamental sunt o formă de armonie. Armonia poate fi realizată prin utilizarea unor fraze muzicale sau acorduri.
- Armoniile care sporesc sunetul melodiei sunt numite „consoane”. Tonurile care sună cu tonul fundamental atunci când coarda unei chitare este smulsă sunt o formă de armonie consonantă.
- Armoniile care contrastează cu melodia sunt numite „disonante”. Armoniile disonante pot fi create prin redarea simultană a mai multor melodii contrastante, cum ar fi atunci când cânți „Row Row Row Your Boat” ca o rundă, în care fiecare grup începe să cânte la un moment diferit.
- Multe cântece folosesc disonanța ca o modalitate de a exprima sentimente neliniștite și de a lucra treptat spre armonii consonante. În exemplul rundei „Row Row Row Your Boat” de mai sus, pe măsură ce fiecare grup termină să cânte versurile pentru ultima dată, cântecul devine mai calm până când ultimul grup cântă „Viața este doar un vis”.
Pasul 3. Stivați note pentru a forma acorduri
O coardă se formează atunci când sună trei sau mai multe note, de obicei în același timp, dar nu întotdeauna.
- Cele mai comune acorduri sunt triade (trei note) în care fiecare notă succesivă este de două note în sus față de nota precedentă. În acordul C major, notele sunt C (rădăcina acordului), E (treimea majoră) și G (al cincilea). În acordul de Do minor, E este înlocuit cu un Mi-plat (al treilea minor).
- O altă coardă frecvent utilizată este cea de-a șaptea coardă, în care o a patra notă este adăugată la triada, a șaptea notă în sus de la rădăcină. O a șaptea coardă majoră C adaugă o notă B la triada C-E-G pentru a face secvența C-E-G-B. Acordurile a șaptea sunt mai disonante decât triade.
- Este posibil să utilizați o coardă diferită pentru fiecare notă individuală dintr-o melodie; așa se creează armonia cvartetului de frizerie. Cu toate acestea, mai frecvent, acordurile sunt împerecheate cu note găsite în acord, cum ar fi redarea unei corzi majore pentru a însoți nota E într-o melodie.
- Multe melodii sunt redate cu doar trei acorduri, cele ale căror note de bază sunt prima, a patra și a cincea notă dintr-o scală. Aceste coarde sunt reprezentate cu numerele romane I, IV și V. În cheia de Do major, aceste coarde ar fi Do major, Fa major și Sol major. Adesea, o a șaptea coardă este înlocuită cu o coardă de V majoră sau minoră, astfel încât atunci când cântați în Do major, coarda de V ar fi o a șaptea G major.
- Acordurile I, IV și V sunt corelate între taste. În timp ce acordul de F major este acordul IV în tonalitatea de Do major, acordul de Do major este acordul de V în tonalitatea de F major. Acordul de sol major este acordul de V în tonalitatea de Do major, dar acordul de Do major este acordul de IV în tonalitatea de Sol major. Această relație poartă restul acordurilor și poate fi mapată ca o diagramă numită cercul cincimilor.
Partea 4 din 4: Tipuri de instrumente muzicale
Pasul 1. Loviți sau răzuieți un instrument de percuție pentru a face muzică cu el
Instrumentele de percuție sunt considerate una dintre cele mai vechi forme de instrumente muzicale. Majoritatea sunt folosite pentru a crea și păstra ritmul, deși câțiva pot cânta melodia sau pot crea armonii.
- Instrumentele de percuție care produc sunet prin vibrarea întregului lor corp se numesc idiofoane. Acestea includ instrumente care sunt lovite împreună, cum ar fi chimbalele și castanetele și cele care sunt lovite de altceva, cum ar fi tobe de oțel, triunghiuri și xilofoane.
- Instrumentele de percuție cu „piele” sau „cap” care vibrează atunci când sunt lovite se numesc membranofoane. Acestea includ tobe, cum ar fi timbalele, tom-tomul și bongo-ul, precum și instrumentele care atașează o coardă sau un stick de membrană care o vibrează atunci când este trasă sau frecată, cum ar fi vuietul leului sau cuica.
Pasul 2. Suflați într-un instrument de suflat din lemn pentru a face muzică cu el
Instrumentele de suflat din lemn produc sunet prin vibrație atunci când sunt suflate. Cele mai multe includ găuri de ton pentru a schimba tonul sunetului pe care îl produc, făcându-le astfel potrivite pentru redarea melodiilor și armoniilor. Vânturile din lemn sunt împărțite în două tipuri: flauturi, care produc sunet făcând să vibreze întregul corp al instrumentului și țevi din stuf, care vibrează materialul plasat în interiorul instrumentului. Acestea sunt împărțite în continuare în două subtipuri.
- Flautele deschise produc sunet prin divizarea unui flux de aer suflat peste marginea instrumentului. Flautele de concert și flauturile sunt tipuri de flaut deschis.
- Flautele închise canalizează aerul printr-o conductă din instrument pentru a-l împărți și a face instrumentul să vibreze. Recorderul și conductele de organe sunt tipuri de flaut închis.
- Instrumentele cu o singură trestie plasează o stufă în piesa bucală a instrumentului. Când este suflată, stuful vibrează aerul din interiorul instrumentului pentru a produce sunet. Clarinetele și saxofoanele sunt exemple de instrumente cu o singură trestie. (Deși corpul unui saxofon este fabricat din alamă, este considerat un instrument de suflat din lemn, deoarece folosește o trestie pentru a scoate sunetul.)
- Instrumentele cu dublă trestie folosesc două trestii de trestie legate între ele la un capăt în loc de o trestie simplă. Instrumentele precum oboiul și fagotul pun trestia dublă direct între buzele jucătorului, în timp ce instrumentele precum crumhornul și cimpoiul își păstrează trestia dublă acoperită.
Pasul 3. Suflați într-un instrument de alamă cu buzele închise pentru a face muzică cu el
Spre deosebire de instrumentele de suflat din lemn, care se bazează exclusiv pe direcționarea unui flux de aer, instrumentele din alamă vibrează împreună cu buzele jucătorului pentru a-și face sunetul. În timp ce instrumentele de alamă sunt denumite astfel deoarece majoritatea sunt fabricate din alamă, ele sunt grupate în funcție de capacitatea lor de a-și schimba sunetul schimbând distanța prin care trebuie să circule fluxul de aer înainte de a ieși. Acest lucru se face printr-una din cele două metode.
- Tromboanele folosesc un tobogan pentru a schimba distanța pe care trebuie să o parcurgă fluxul de aer. Tragerea diapozitivului în afară mărește distanța, coborând tonul, în timp ce îl împingeți scurtează distanța, ridicând tonul.
- Alte instrumente din alamă, cum ar fi trompeta și tuba, utilizează un set de supape în formă de pistoane sau chei pentru a extinde sau a scurta lungimea fluxului de aer din interiorul instrumentului. Aceste supape pot fi apăsate individual sau în combinație pentru a produce sunetul dorit.
- Instrumentele de suflat și de alamă sunt adesea grupate împreună ca instrumente de suflat, deoarece ambele trebuie să fie suflate pentru a face muzică.
Pasul 4. Faceți să vibreze corzile unui instrument cu coarde pentru a face muzică cu el
Corzile instrumentelor cu coarde pot fi făcute să vibreze într-unul din cele trei moduri: prin smulgere (ca la o chitară), prin lovire (ca la un dulcimer ciocănit sau cu ciocanele acționate cu cheie la un pian) sau prin tăiere (la fel ca la arcul pe o vioară sau violoncel). Instrumentele cu coarde pot fi utilizate fie pentru acompaniament ritmic, fie melodic și pot fi împărțite în trei categorii:
- Lautele sunt instrumente cu coarde cu un corp rezonant și un gât, cum ar fi viorile, chitarele și banjo-urile. Acestea prezintă șiruri de lungime egală (cu excepția șirului inferior pe un banjo cu cinci șiruri) și grosime variabilă. Corzile mai groase produc un ton redus, în timp ce corzile subțiri produc un ton mai înalt. Corzile pot fi ciupite în punctele marcate (trastele) pentru a le scurta eficient și a le ridica tonurile.
- Harpele sunt instrumente cu coarde ale căror corzi sunt legate într-un cadru. Harpele au de obicei șiruri de lungime progresiv mai mică, dispuse vertical, cu capătul inferior al șirului conectat la corpul rezonant sau la placa de sunet.
- Zithers sunt instrumente cu coarde care sunt montate pe un corp. Corzile lor pot fi sfâșiate sau smulse, la fel ca la autoharp, sau lovite direct, ca la dulcimerul ciocănit, sau indirect, ca la pian.
Video - Prin utilizarea acestui serviciu, unele informații pot fi partajate cu YouTube
sfaturi
- Scările minore majore și naturale sunt legate astfel încât scara minoră a unei chei cu două note mai mici decât scala majoră să ascuțească sau să aplatizeze aceleași note. Astfel, tastele de Do major și de A minor, care nu folosesc niciun obiect ascuțit sau plat, au aceeași semnătură de cheie.
- Anumite instrumente și combinații de instrumente sunt asociate cu anumite tipuri de muzică. De exemplu, cvartetele de coarde compuse din două viori, o viola și un violoncel sunt de obicei folosite pentru a juca un tip de muzică clasică numită muzică de cameră. Formațiile de jazz au prezentat, de obicei, o secțiune ritmică de tobe, piane și, eventual, un contrabas sau tubă și o secțiune de corn din trompete, tromboane, clarinete și saxofoane. Poate fi amuzant să cânți câteva melodii cu instrumente diferite decât au fost destinate, așa cum face „Weird Al” Yankovic cu selecțiile sale de melodii rock cântate în stil de polcă la acordeon.
